⑴ 音月對人有沒好處
有，它可以緩解壓力,可以放鬆心情,陶冶情操，要靜靜的聆聽音樂,才能感受其中的美妙
⑵ 如何鑒賞音樂
如何欣賞音樂
（一）
如何欣賞音樂是一個非常老的話題。多少年來，一直有許多的專論。可到底該怎樣欣賞音樂，還是有人不明白。其實,欣賞音樂也可以說是一個非常簡單的問題，那就是只要你喜歡就行。經常都聽到很多人說：「音樂好，就是聽不懂。」可我也經常反問他們：你到底要聽懂什麼呢？音樂這東西，你只要覺得好聽就行。何必要這么功利性的搞懂呢？其實真是這樣。一首音樂名曲，你只要覺得好聽，能讓你感動就行了，不一定非去琢磨這曲子是描寫的是什麼故事。什麼曲式、調性、主題那是下一步的事。其實那些都還不是重要的。最重要的是你首先必須要覺得好聽，能被這音樂感動。否則再是什麼名曲對你也是白搭。至於那些東西是對音樂下一步了解的事。如果你能被音樂感動那就什麼都好辦。因為你在被感動時，會有一種沖動的想法，你會去思考為什麼這音樂讓人感動萬分。這到底是因為什麼？也就這樣，你就有了進一步了解音樂的渴望。你想一開始就什麼都搞懂那不太可能。
音樂在剛剛開始欣賞時，它所具有的那種音響的感染力太大了，它幾乎能讓所有聽到它的人為之感動。這個時侯的音樂是非常神秘的。它具有巨大的魅力，讓人著迷。不管是旋律還是歌詞，甚至到伴奏的和聲等等，都會讓人激動萬分。我們可以從喜歡不同音樂類型的人群中看到流行歌曲和浪漫情調音樂的差別。非常明顯的是音樂在這個時侯對感官的引誘力太大了，特別是對那些還沒有真正接觸音樂或較少接觸音樂的人更是如此。他們會一下子被它那或委婉的旋律或鮮明的節奏或悅耳的和弦甚至纏綿的歌詞所吸引。也正因為如此，才會有很多人在這個時侯往往把音樂當作一種寄託，當作理想，當作禮物，當作遠離現實的逃避，甚至當作是自己的幻想世界。正因為如此，才有人經常參加電台電視台的點歌節目，把自己喜歡的某支歌作為自己的一種心意當作禮物送給別人。因為他們覺得這音樂(歌曲)使自己感動，就好象是自己的心境的表露。當然這無可非議，送什麼給別人那是自個的事。一切都是在向前發展的。人不可能永遠停留在一個欣賞階段。在喜歡流行歌曲的人群中有一點是明確的，那就是三十歲以上的人肯定很少。為什麼？僅就閱歷而言，那些「為了愛夢一生」、「永遠相信愛情」真是一場比較虛的事。沒有人會永遠生活在這樣的歌曲里，自己受不了別人也受不了。
（二）
音樂欣賞由淺入深有這么一個過程，即從感性（被音樂感動）到理性認識（探究音 樂知識）又回到感性認識（更深層次的欣賞）這樣三個階段。這是欣賞音樂的必經之路。一個學習樂器的人也許不一定就是一個很好的音樂欣賞者，因為他關注的是技巧。表達與理解不是一回子事。音樂有自己的語言，就象舞蹈中的一招一式都有自身的表達含義，音樂里的和弦、樂譜、速度、調性也有其含義。在剛一開始期間音樂能從感官上打動你，讓你激動讓你欣喜。這是一種無意識的審美活動。可如果就此而已，你還是沒辦法去真正聆聽音樂。
音樂具有巨大的感染力。這種感染力不僅是對剛接觸音樂的年輕人，對一個飽經風霜、歷盡人間艱辛的老人也是如此。只是欣賞音樂的階段不同，所帶來的思想內容也就不盡相同了。在感性認識的階段，你對音樂的理解還只限於感官感受。如果你在欣賞音樂中不是主動積極的，那麼你也許就沒法真正去領會音樂的真諦。比如〈藍色多瑙河〉這首膾炙人口的名曲，在感性認識階段，我們會覺得它十分動聽，其實我們僅僅只是被那起伏的旋律和三拍子的圓舞曲節奏以及這首名曲的故事名聲以及其他因素所吸引。我們並不知曉三拍子的圓舞曲形式為什麼這么吸引人；不知曉在這首曲子究竟由幾首什麼樣的小圓舞曲組成；我們也不知曉斯特勞斯圓舞曲與其他圓舞曲有什麼實質性上的不同，但首先我們會被吸引會被感動。如果你面對一曲好聽的音樂而無動於衷，那才是最沒辦法的。欣賞音樂時你必須是一個積極的聆聽者，絕不滿足於簡單的感官感受和無意識的欣賞。這樣你才會去深入了解這首作品的其他內容，從創作背景到音樂流派以至於音樂曲式主題思想內涵藝術造詣等等。這樣，你對音樂的感悟就會比別人更深。在感性認識的第一階段，我們通常還會借用一些作曲家對曲目的標題或後人標注的文字說明來加深對音樂的理解。比如<<獻給愛麗絲>>這首貝多芬所作的鋼琴小品，聆聽中結合音樂加上標題文字的聯想，我們就能很好理解這首溫馨明快的抒情小品；又再如墨西哥作曲家羅薩斯的<<乘風破浪圓舞曲>>，由標題中我們可以領略到音樂所描寫的那浪花飛濺,海鷗飛翔、在波峰浪尖中航行的自由愉快的心情；克萊斯勒的小提琴曲<<中國花鼓>>，一聽曲名就知道是由中國的五聲音調來表現出熱烈又歡快的情調。在浩瀚的音樂長河中有大量的標題性音樂，只要你願意走進這音樂聖殿，你就會發現這殿堂堂中滿是人類文明的精華，它就象一筆巨大的財富足夠你受用一輩子。
（三）
音樂欣賞在最初階段，主要靠感官對音響的感受。動聽的旋律，悅耳的和聲，有規律的節奏，起伏的響度等等。都讓人感受到的一種欣愉。一個音樂愛好者特別是音響愛好者大都有這樣的感受：首先追求的是音效。一開始用音響器材來重播音樂，是聆聽比較音響器材，對不同的重播效果比如節奏、音色、動態等等這些關於音響的概念涉及教多。至於什麼內容、復調、賦格、對位，什麼是塔蘭泰拉，什麼是奏鳴曲式，統統不知道。其實不完全是一部份音響愛好者不知道，很多人都不知道這些樂理概念。其實也沒什麼關系？音樂欣賞並不要求人人都是音樂家。每一個聆聽音樂的人都會經歷這么一個初級階段，不管一開始他聽流行歌曲或是聽通俗交響音樂。這些年來，我也看到有這么一個現象：有一些年青人，主要是中學生，如果他在孩提時沒有受到音樂文化的熏陶，他將很快就迷上如邁克爾.傑克遜之類的搖滾音樂且很快變成一個執迷瘋狂的追隨者。因為他們一下子就被那種瘋狂的節奏和刺激的聲響所迷惑，至於內容是什麼，他們不理解，也不會理解，跟那些有理智的搖滾樂愛好者相比，他們只算是小兒科。有時侯在電視台也會播出一些垃圾音樂節目，盡管不多卻叫人惡心，但這些節目卻有著一大群追隨者。我們再不能說在社會主義中國的電視節目里上演的都是健康向上的節目，有時侯也會考慮的贊助廣告收視率，一個被動的，毫無鑒別能力的人很容易把糟粕當精華。
欣賞音樂時，你必須是主動積極的。你要有自身的體驗，這種音樂的體驗是非常重要的，因為按圖索驥的音樂欣賞指南，僅僅是協助你加深這個體驗。你想僅憑一本小冊子或幾篇類似這樣粗淺的文章就能學會欣賞音樂。那是妄想。因為音樂指南介紹只能告訴你怎樣去欣賞音樂，如果你連一點點音樂的內心體驗都沒有，那些介紹指南再讀也是白搭。因為沒有一本書或一篇文章會教你如何在心中湧出激情或產生欣愉，悲哀或憂愁。因為這是人的本性所在，恩雅那近乎晦澀的音樂讓大多數人聽起來宛如天賴之音，可有人聽出的夢囈和靜穆，這沒關系。你的素質和閱歷驅使你這樣。可如果你面對什麼樣的音樂都無動於衷，那才是真正的悲哀。
音樂不是調味品，盡管它可以拿來調節氣氛，但它絕不是調味品。可現在很多人卻把音樂當作調味品，似乎音樂是一個高檔神奇的調味品。商店開張、大宴賓客、紅白喜事......音樂就象餐廳的胡椒。當音樂那神奇的聲音響起，它確實可以改變一切，它可以頓時讓你肅穆，可以讓你欣喜萬分，也可以一下子就讓你憂郁千種。音樂這種巨大的感染力是非常神秘的，但你千萬別去把音樂拿來當裝飾品，這里放一首通俗歌曲，那裡來一段薩克斯，就象用那些廉價的塑料裝飾品來裝飾你的居室。
總之，在欣賞音樂的初級階段即感性階段，你需要的是對音樂魅力的內心體驗。不管是優美的旋律，還是迷人的音色或纏綿的歌詞。總之，需要是你能被音樂感動。只要你能被音樂感動就什麼都好辦了。
（四）
被音樂感動。在聆聽音樂時情感體驗以及對探求音樂的慾望將驅使你走入音樂聖殿的第二道大門：理性認識階段。如果不經過這個階段，你仍是一個被動無為的音樂聆聽者，盡管你也許會選擇音樂，也可能隨時都在聽音樂，可你仍然是被動的，因為除了你被音樂感動之外什麼也沒有了。優美也罷，歡樂也罷，悲傷也罷，僅僅只是聽感上造成你的情緒上的波動而已。你當然可以隨時隨地的聽音樂，連騎自行車上班或者進餐什麼的都可以聆聽音樂，但此時的音樂僅僅只是給你造成一個屏障，用音樂里那些旋律節奏來隔絕城市的喧囂和人世的糾葛。我們在前面提到過，音樂不是調味品。音樂盡管是非常神奇的，但它決不是調味品。音樂是需要被人聆聽的。你真要拿它來做別的用途，如烘托氣氛、調節情緒、甚至於拿它來開胃，那它就不是音樂了。因為沒人會認真地聆聽餐廳重播的音響，更沒有人會被某候機廳的音樂激動。只有當你認真地聆聽音樂的時候，音樂才是音樂。因為一件響器如果能引起你內心體驗其中必定有某種內涵，這種內涵就是音樂內容本身。
進入到音樂欣賞的理性認識階段，說明我們欣賞音樂從被動到主動的發展過程。在這個聖殿的第二道大門中，我們將認識巴赫、莫扎特，體會貝多芬、拉赫瑪尼諾夫。總之，整個人類文明歷史中所有著名的音樂家都將一個個從我們前面走過，讓我們認識了解。我們還將知道音樂構成的要素：旋律節奏音色和聲；知道什麼是巴洛克音樂，誰是浪漫主義後期的音樂代表；奏鳴曲和奏鳴曲式怎麼不同。一個剛接觸音樂的人對音樂的認識應該說是比較膚淺的。如果不全面地理解音樂，你就不能更好地欣賞音樂。比如你不知道什麼是音色，你就根本無法去理解音樂。因為音色就猶如繪畫中那絢麗的顏色，從而決定了豐富的音樂含意。又比如在柴科夫斯基第六《悲愴》交響曲中那個感人至深的主題，其感染力實在讓人慾哭無淚。楊明望先生對這個主題有一段讓我覺得是非常精彩的描述：「這個睏倦的心靈，帶著不可磨滅的創傷，在無法撫慰的慟哭和悲哀絕望的熱潮中，終於投入永恆死亡的懷抱。」如果對音樂沒有了解，你能了解這個主題的深刻含義？
在理性認識的這個階段，不一定每個人都有機會或條件去認真系統的學習音樂理論和音樂史。但我們仍可以通過其他一些書籍來獲取有關音樂的知識。用《名曲賞析》這類型的書來對比聆聽是最好的方法之一。樂曲分析、曲式結構、主題提示等對聆聽者是必不可少的一環。這樣一來，你就知道了協奏曲與交響曲在結構上的差別；你也就知道變奏曲與迴旋曲的不同；甚至你也許就開始迷上了馬勒或是勃拉姆斯；帕瓦洛蒂那高昂激揚的嗓音與阿姆斯特郎的沙啞聲可能你也同時都會喜歡。等等這一切都是建立在你對音樂了解的基礎上的。也就在這個時候，你也開始發生變化了：你的談吐、你的見解、你的閱歷和涵養等等。「芝麻開花」，音樂這座巨大的寶藏已經對你敞開了大門。
（五）
所有的音樂都有其自身的內涵，你對音樂的了解就是對這些音樂內涵的認識過程。盡管每一個人都不可能孤立地停留在一個階段去單純地探究音樂知識而置音樂內涵於不顧。藉助一些音樂欣賞名曲分析等一些輔助工具，認真聆聽一首音樂作品是必要的。在這個階段首先要了解音樂史，要知道音樂不同時期的不同的表現形式；你還要了解作曲家的基本內容如貝多芬和瓦格納在音樂創作上的不同風格和思想；另外你還需要知道一些音樂的基本知識，比如曲式。其實曲式就是樂曲的形式。在曲式中最需要了解的首先是奏鳴曲式。一般說來，在古典音樂的曲式中，以奏鳴曲式為最多。奏鳴曲式基本上代表了大部分樂曲的基本形式，交響曲、協奏曲、室內樂等大都採用的是這種形式。奏鳴曲式有一個樂章，也有三至四個樂章的。曲式當然不僅僅只是奏鳴曲式，曲式還有很多種。如變奏曲，用一個主題進行各種演變：A-A1-A2-A3-.....AZ，對變奏曲的了解可以聆聽柴科夫斯基的《洛可可主題變奏曲》，一個主題變化為七個變奏；又如迴旋曲，它的基本含義就是由一個主題多次重復：A-B-A-C-D-A......等，其中A代表主題，而B.C.D.....等則代表變化，每一次變化之後又回到主題。對這個曲式的了解可聆聽莫扎特的《A小調鋼琴迴旋曲》。
音樂欣賞還應該了解主題。音樂中的主題是至關重要。在一首樂曲中，一個聆聽者必然牢牢記住這首樂曲中的音樂主題形象，它的變化對比發展等構成了音樂的全部內涵。所以我們在聆聽音樂時一定要學會記住主題。在柏遼茲的《幻想交響曲》中那個孱弱敏感的青年藝術家主題音樂形象，從樂曲的第一樂章一直貫穿到第五樂章，且每個樂章都有其不同的變化。從一開始溫柔純真到最後的怪誕瘋狂。仔細聆聽這個樂曲對理解主題比較有幫助。如果你在聆聽音樂時連主題形象都聽不出來，你就沒辦法去很好地理解音樂。當然，音樂的主題不象視覺上的形象那樣鮮明清晰，電影中的主要人物一出場，你就知道了電影的全部過程中一定是以他為主。小說也一樣，《紅樓夢》中的賈寶玉與林黛玉是一個對比的主題，兩個主題形象的關系對比發展貫穿整個小說。盡管也有其他的人物，如金陵十二釵和賈府眾多人口，但主題形象卻依然是賈寶玉與林黛玉。音樂里主題形象其實也是如此，只是音樂里的主題形象不會象電影小說里那樣鮮明。在一首樂曲里，音樂形象也有許多，但不管再多它們全都是圍繞樂曲的主題形象的。在貝多芬《命運交響曲》中有很多其它的音樂形象：悲哀、嘆息、撕殺、兇殘、深沉的思考與堅強的信念、光明、勝利，甚至還有憂郁與彷徨，但這些都是由對比的主題形象而產生的。所以，在認真聆聽音樂時一定要緊緊抓住主題，就象雨果唱片公司的易有伍先生說的要提高你耳朵的聚焦能力，這樣你才能在一遍音樂的轟鳴聲中找到那個時刻變化的主題形象從而領略音樂的無窮魅力。
（六）
在欣賞音樂的這個審美過程中，除了曲式，還有諸多的因素,如節奏、音色等。僅就節奏而言，音樂的最初的起源應與節奏有十分密切的關系。節奏產生的韻律美使原始部落至今仍在信奉。不同組合的強弱快慢節奏以及多次重復能使節奏產生出非常巨大的內涵和韻味，讓人瘋狂或痴迷，沒有人會拒絕節奏。在音樂中節奏的表現形式是節拍。節拍通常用小節線和節拍符號來表示，如3/4，就表明這是三拍子。每一拍為四分音符，每一小節內有三拍；第一拍為重音，後兩拍為弱音。這樣就構成了一個圓舞曲的節奏型。改變重音的位置會引起一些嶄新的變化。把兩個以上不同的節拍組在一起又將形成新的復節奏。就這樣，無窮無盡的節奏就形成了我們音樂的組成要素之一。僅就節奏而言，一個欣賞者需要用耳朵去感受它而不是靠分析。整體的音樂欣賞也是如此。說起節奏還不得不提及諸如<<哥利高里聖詠>>之類的自由節拍的音樂體裁。在許多宗教早期音樂以及東方音樂中經常都有一些無節拍要求的音樂，其實這種自由節奏的音樂對節奏的要求更為精確的。只是這種精確已無法用節拍記號來標注它。它需要的是演奏者或演唱者對它更深層次的了解和把握。
音樂的魅力當然不僅僅只是在主題、旋律`、節奏、色彩、曲式結構、調性等，有的時候甚至連作曲家的創作觀念、演奏家的風格、錄音師的錄音技術及愛好，在加上聆聽者的素質、閱歷、情感、性格等等這些諸多因素加在一起才構成一個整體的音樂。單獨去分析其中的一個部分其實都是對音樂的肢解。結合歷史背景了解作曲家的創作個性，認真聆聽主題的發展變化與對比，讓你全身心都得到音樂及音響的感染，讓你的思想情感以及情緒都在音樂的體驗中發生微妙的變化。
在音樂欣賞的第二個階段中你需要了解的東西確實太多了，這很可能會嚇到一些愛好者：我的媽，欣賞音樂這么難！其實也沒有什麼。因為所有你需要了解的一切一切都在建立在你對音樂極大的興趣上的。對這些知識的了解又促使你對音樂發生更大的興趣。前提是你對音樂首先要有一種需要的慾望，也就是你首先要真正熱愛音樂！也就是因為這個前提，你才能進入到這個階段去認真的學習這些音樂知識。
（七）
進入音樂欣賞的第三階段，並不是十分明顯的。因為對音樂認識的階段永不能說結束。進入欣賞音樂的第三階段，並不意味著要和過去的階段劃清界限。其實我們這樣分析和介紹僅僅只是一個表述上的概念。但不管怎樣，經過一段時間的學習，（在這個階段的一切都主要靠你自己的自學，因為沒有人會詳細的教你如何分析和理解一首樂曲）我們對音樂已經有了一定的了解。這時候我們再來聆聽音樂：當那神奇的樂音響起時，我們的心中就會泛起無際的激情的浪花。不管是與巴赫交談還是和馬勒神遊；抑或是傾聽莫扎特的心聲，總之，音樂就象是情感的源泉。這時候你已經步入了音樂的殿堂。不管是人生征途的跋涉還是成家立業的拼搏；也不管你是年輕或年邁；落魄或得意，歡樂也罷，憂愁也罷，在音樂的殿堂里，你都是在用自己的情感去體驗音樂！這時候音樂已經不再神秘的了。音樂也不再是高不可攀的了。音樂所表達的一切也都不再是外表的。也許主題還是那個主題，但「山遠水遠，你我的心不遠」，現在的你聆聽音樂時的內心體驗已經有了更深的心潮湧動。也就在這個階段，你已經從一個被動的聆聽者轉變成為一個自由的音樂愛好者了。你不會用主題分析曲式結構來約束你思緒的自由飛翔，也不會在一個標題下用一個簡單的音樂形象來束縛想像力的馳騁和情感的涌動。盡管有的時候也需要去分析主題、探究曲式結構什麼的，但真正在聆聽音樂時你已經確確實實是用情感來體驗音樂了。在這個時候你需要的是純音樂而不是什麼主題或名曲匯萃。名曲集錦和主題聯奏之類的音樂是最讓人倒胃口的。因為它實在無法讓人去產生什麼激情。這一類的音樂只能算是普及讀物，經常聆聽這樣的音樂所帶來的最大好處就是能參加音樂有獎競猜活動。那跟欣賞音樂沒有多少聯系。
在音樂欣賞的審美過程中，內心體驗與認知活動永遠是結合在一起的。從感性認識到理性認識的這一發展過程永遠是不會停滯不前，我們對音樂的理解也永遠是無止境的。跨入那美妙無窮的宏大的音樂聖殿
⑶ 音樂中的基本音
在樂音體系中，具有獨立名稱的7個音級叫做基本音級。這7個音級表就是現在鋼琴上白色琴鍵所發出的聲音。
基本音級的名稱有音名和唱明兩種標記方法，每個音級的音名是用字母來標記的。唱名則利用讀音來表示。（關於音名和唱名的關系，我們將在後面的調式與調性的部分具體講解。）以C大調為例：C大調基本音級的音名從低到高分別 標記為：C、D、E、F、G、A、B與其對應的唱名則是do、re、mi、fa、sol、la、si 七個讀音。
在樂音體系中7個基本音級的標記（音名和唱名）是循環使用的。即C、D、E、F、G、A、B之後又回到c、d、e、f、g、a、b或do、re、mi、fa、so l、la、si之後還是do、re、mi、fa、sol、la、si……如此循環往復。
但是，每一個循環中的音級是音高不同的，也就是說，雖然音名（或唱名）相同但音高是 不一樣的。在標記音名時時採用大寫、小寫，或者是在大寫字母後加入下標、小 寫字母後加入上標的方法加以區別。如：C、a、a1(後面的數字「1」應為上標形式）、B3（數字「3」應為下標形式）。其中兩個相鄰的、具有同樣名稱的音的關 系叫做「八度」。
⑷ 介紹音樂的常識
1.音程interval 指兩音間的距離，計算單位為「度」
2.音名pitch names 指西洋音樂中的七個基本音級的名稱，即CDEFGAB
3.唱名syllable names 把七個基本音級依次唱出來的do、re、mi、fa、sol、la、si為唱名，簡譜寫作1234567
4.音區register 樂器或人聲的整個音域
5.音域range 指某一樂器或人聲所能發出的最低音到最高音之間的范圍
6.標准音standard pitch 指音樂中用作定音標準的a1音，其頻率為440赫茲。也就是C大調音階中6（la）這個音
7.音高pitch 聽覺賴以分辨樂音高低的一種特性
8.音階scale 指調式中的各音從主音到其八度音，按音高次序排列而成的音列（如C大調的音階為1234567i）
9.調式mode 指音階的不同的組合形式。西洋音樂有大調式與小調式之分。
10.調key 調門。一般指某個調式的主音（起始音）的音高，這個主音音高的音名，就是這個調式的調（調門）的名稱。
11.旋律melody 曲調。指音與音有組織的橫向組合
12.節奏rhythm 指音的長短、強弱作周期性的變化的形態。一般將節奏、旋律、和聲三者稱為音樂形成的三大要素
13.節拍meter 樂曲中周期性出現的節奏序列
14.和聲harmony 指兩個以上的音按一定的音和關系同時發聲的縱向組合。
15.速度tempo 指音樂進行時節拍的相對快慢程度
16.力度dynamics 指音樂演奏時音響的強弱程度。
旋律melody 曲調。指音與音有組織的橫向組合
節奏rhythm 指音的長短、強弱作周期性的變化的形態。一般將節奏、旋律、和聲三者稱為音樂形成的三大要素
節拍meter 樂曲中周期性出現的節奏序列
和聲harmony 指兩個以上的音按一定的音和關系同時發聲的縱向組合。
速度tempo 指音樂進行時節拍的相對快慢程度
力度dynamics 指音樂演奏時音響的強弱程度。
曲式form 指樂曲的結構形式。其基本的模式有兩種：二段式（二部曲式）和三段式（三部曲式）
主題theme 樂曲中具有特徵的並處於顯著地位的旋律。
副歌accessory theme 指一首歌曲中每遍所唱的歌詞都相同的部分。起著集中表達全曲中心思想的作用
樂句phrase 由許多樂節組成的，能表達一定意思的一個旋律
樂段period 由若干樂句組成的，表現一段大致完整的樂思的段落
二段體binary form 指由兩個樂段組成的曲式，前後兩段形成對比
三段體fernary form 由三個樂段組成的曲式。第一段與第三段相同或基本相同，第二段則具有對比性質
復三段體compound ternary form 由三個二段體或三段體組成的曲式。
樂章movement 大型套曲中在結構上有相對獨立性的一個章節
前奏anabole 樂曲前面的序奏
華彩段cadenza 樂曲中由獨奏者自由發揮其表演技術的段落，通常樂隊暫停演奏
尾聲postlude 指樂曲的結束部分，起著補充總結或推向高潮的作用
單聲音樂monophony 由單一旋律所構成的音樂，包括沒有伴奏的獨唱、獨奏、以及旋律作同度或八度重疊的齊唱、齊奏。
復調音樂polyphony 由若干旋律性聲部同時進行而組成的樂曲，其每一個聲部都同等地重要並具有獨立性，但同時各聲部又彼此形成和聲關系
主調音樂homophony 在眾多的聲部中，以一個旋律性最強的聲部為主，其餘聲部作為陪襯
指揮conctor 領導樂隊或合唱隊進行排練和演出的人
標題音樂program music 有文字說明樂曲內容的音樂作品。
古典音樂classical music 泛指時指過去時代具有典範意義或代表性的音樂（不含民間音樂）；專指時指維也納古曲樂派的音樂或師法於該樂派的音樂
爵士樂Jazz 本世紀初產生於叛國新奧爾良的一種溶合了黑人的散拍樂，靈歌與布魯斯的音樂形式。
我想你說的打口 應該是打口CD。。也就是打口碟。。
打口碟，即國外正版碟，這些碟片通過不同途徑進入到中國，最多的一種形式是以廢塑料名義被進口，幾乎全部來源自美國。因此購買所有歐洲、日本樂隊的打口都是在美國銷售的版本。
⑸ 什麼音月好聽
。。。。。。具體點
⑹ 音樂術語
在今天，音樂活動所具有的聽眾，在數量上的眾多可以說是空前的。不論是聲樂還是器樂，借著唱片、磁帶、電影、廣播、電視各種傳播手段傳送給億萬的聽者。在這些人們中間，有不少的人，在他們一生之中，是從來沒有直接聽見過大型管弦樂隊演奏過的。這些新的，為數極為眾多的聽眾，其中也許有的人會感覺到十分驚異，原來這種新的藝術欣賞經驗，特別是樂器音樂，是一種極為美妙的精神食糧；它是那麼深遠而真切地反映著人類偉大的生活、思想和情感。當這種音樂欣賞活動發展起來以後，人們便產生一種好奇心，一種求知的想望。這就是：如何才能領略這種音樂藝術？它的原則和方法又都是怎樣的？
為了這個原故，僅僅是為了這個原故，便寫成了這本冊子。這本冊子不是給音樂專家們讀的書，它只是寫給對音樂有深厚的興趣，並且有熱情想要知道得多一點的讀者。這冊子的目的是提供在這方面知識的要點，說明一些常用詞語的實際意義。至於這些技術術語的范圍，當然是在某種限度之內的。
現在，我們聽到的和演奏的西歐音樂作品，有很大一部分是在1650～1900年之間所創作的。從和聲學與音樂理論的角度來說，這是音樂史上的一個大的單元或階段。在這個階段之中，所包括的音樂風格的類型、音樂結構的方法、樂曲織體的情況等，雖品種繁多，但其實際的音樂語言，和聲的詞語都是一樣的。它們只不過是不斷地在擴大著、豐富著，而基本上並沒有什麼根本的改變，其根本的原則也沒有什麼變化。在此處將說明這時期的原則與其以前和以後的有著怎樣的不同。第一部分著重於1600—1900年這一階段的內容，更早的和更晚的則在第二部分和第三部分作簡要的解說。
下面開始對一般使用的技術名詞作簡明的解釋，其目的是為了使讀者能夠了解隨後所討論的諸問題。至於要進一步去理解它們，便需要進一步去閱讀其他有關的書籍。這些解釋對於本書所需要應用的范圍，可以說已是十分夠用了。說明是按照旋律、和聲、節奏來分類的。但要請讀者們注意，這些術語在不同的范疇里，有它不同的意義和用法，如轉位，靜止等，因此對它們的說明也是分開的。
（1）旋律方面的用語
音階
一串連續級進的音，由一個主音或調音（Tonic或Keynote）統一著彼此間的關系，就叫做音階。
一個自然音階（DiatonicScale）包含五個全音和兩個半音。按照這兩個半音在音階中所處的地位不同，便形成了大音階和小音階。
音階的第三音是決定那音階大小性質的音，所以又稱它為決定音（Determinant）。
不論是大音階或小音階，音階的每個音都有它們個別的名稱，現在依照上行的次序把它們寫在下面：——
第一音主音（Tonic）
第二音上主音（Supertonic）
第三音中音（Mediant）
第四音下屬音（Subdominant）
第五音屬音（Dominant）
第六音上中音（Submediant）
第七音導音（Leadingnote）
在上面各音中間，主音、屬音、下屬音和導音是音樂上最常用的名詞，應該把它們記清楚。
半音音階是完全由半音所組成的音階。
升號（#）是把音的高度升高半音的記號；降號（b）是把音的高度降
低的音回復到原來的高度。這些記號總稱為臨時記號（Accidental）。
音程
兩個連續或同時發響聲音間的距離或高度差別叫做音程。
音程的命名，主要是依照它們在音階上所具有的級數來計算，在計算時，兩個音的本身也計算在內。
這些音程的名稱，不管有沒有半音變化，它們的名稱是不變的，換句話說，即不管一個音程的兩個音包含有升、降記號沒有，那音程的名稱仍然是相同的。
在自然音階中所出現的音程是自然音程。
在變化音階（即半音音階）中所出現的音程是變化音程。
音程距離小於半音——如#G—bA—叫做同音音程（En-harmonic
interval），這種一般又稱為「同音異名的變換」。在鋼琴上這兩音是完全相同的，但在其他樂器——特別是弦樂族的樂器——#G和bA是不相同的。
調
一般地說，通過一定的調，旋律才能表示出來。調是由組成該旋律的各個音所形成，而這些音是從音階里引伸出來的。一般旋律不一定要起於或終於主音。
有若干大音階和小音階便有若干調，樂譜上尋找升號調次序的方法，是從C起向上數各音的完全五度：C、G、D、A、E、B、#F、#C，尋找降號調次序的方法是從C起向下連續數各音的完全五度：C、F、bB、bE、bA、bD、bG、bC。
升號和降號是記在樂譜起始地方，每個升號或降號都按照上述次序，一次比一次加多（如C到G，G是一個升號；G到D，D是兩個升號；C到F，F是一個降號；F到bB，bB是兩個降號）。這些叫做調號。一個小調和他的關系大調相同——即在小調主音上面的小三度音，便是關系大調的主音。
（2）節奏方面的用語
樂曲是用小節（Bar）為單位來計算的。而小節內又可再分成若干拍（Beat）。一小節中以2、3、4拍最為普遍，這種我們稱之為二拍子（Duple）、三拍子（Triple）、四拍子（Quadruple）。
這些拍子仍然可以再分成一組一組的短小音，其中主要以二音為一組和三音為一組的。如果以二音為一組，這種拍子就叫做單拍子，如果以三音為一組，這種拍子就叫做復拍子。
拍子是用拍子記號來標明的。拍子記號位置在樂譜的開始處，緊接在調號的右方。它的形式是由兩個數目字所組成，一個在上面，一個在下面。上面的數字是指明在一小節中有若干個某種音符，下面的數字是指明那種音符是什麼樣的音符。換句話說即是該音符是屬於全分音符的幾分之幾。
對於這種具體情況，用實例說明比解釋定義要清楚得多。讓我們拿兩個普通的拍子記號2/4、9/8來看，在第一個記號下面的數字〈4〉是指明全分音符的四分之一，即四分音符，上面的數字〈2〉是指明每小節有兩個四分音符。另外一個記號，下面的數字〈8〉是指明全分音符的八分之一，即八分音符，上面的數字〈9〉是指明每小節有九個八分音符。
上面的數字還指明拍子是單拍子或復拍子，若是（2）或（3）、或（2）的倍數，便是單拍子，如果是（3）的倍數便是復拍子。
一個點記在一個音符後面，是把該音符時間長度延長一半，復拍子是以帶點的音符為主，單拍子是以單音符為主。
正如同在音樂中拍子是集合在小節內，小節本身也可以集合到更大的單位中。例如，短句、樂句、樂段等等。從這原理出發，按著類似的情形，這種集合可以運用到一切結構固定的音樂形式上，特別是17～18世紀舞曲的寫作形式。
節奏組合最短小的單位是短句，它常常是包含兩個小節，短句本身不能給予人們一個完整的感覺，所以往往要跟隨著一個或一個以上接續的類似短句，這些短句集合起來，便成為一個樂句。
同樣地，一個樂段總是由包括著兩個或兩個以上相類似的樂句形成曲調上的平衡；不過樂段、樂句、樂節這三個名詞在使用時意義很廣泛，往往互相換著使用，它們每個都是表示音樂的樂想單位。這種樂想在它的本身是完全的。它們唯一和短句不同的地方，便是短句的樂想是不完全的。
所有這些樂想單位，是由靜止來約束。簡單地說，靜止在音樂裡面，就如同標點符號在文章裡面一樣，等於文章中的句號。早期的歐洲音樂，歌曲常常是結束於這種形式——停止在主音上。但是在現代的音樂中，靜止的含意就頗為廣泛而不固定了。它在和聲方面的意義是遠重於在節奏方面的意義，因為靜止時節奏常常是很單純的。
（3）和聲方面的用語
音程
兩個音同時發響，如果小於八度，這音程便是單音程；大於八度的，便是復音程。
音程的分類是按照它們的協和關系——按照兩個音在結合時協和的程度，一般的分類方法是這樣：
完全協和。同度、八度、完全四度、完全五度。
不完全協和。大三度、小三度、大六度、小六度。
不協和。大二度、小二度、大七度、小七度，其他增減音程。增音程的形成，是把大音程或完全音程上面的音升高或下面的音降低。減音程的形成是把小音程或完全音程上面的音降低或下面的音升高。
音程的轉位是把下面的音移放在高八度的位置上，或把上面的音移放在低八度的位置上。
四度音程轉位後成為五度。五度音程轉位後成為四度。
三度音程轉位後成為六度。六度音程轉位後成為三度。
二度音程轉位後成為七度。七度音程轉位後成為二度。
一度音程轉位後成為八度。八度音程轉位後成為一度。
此外：
完全音程轉位後仍舊是完全音程。
大音程轉位後變為小音程。
增音程轉位後變為減音程。
減音程轉位後變為增音程。
和弦
兩個或兩個以上的音程同時發響，叫做和弦。
和弦中的音程如果都是協和音程，不論是完全協和或不完全協和，這和弦便稱為協和和弦。如果它們之間有一個或一個以上的音程是不協和音程，這和弦便稱為不協和和弦。
三和弦或普通和弦包含一個低音或根音，在上面有一個低音的大三度和一個低音的完全五度。
如果五度音是增音程或減音程，這三和弦便叫做增三和弦或減三和弦。增、減三和弦不算是普通和弦，因為它們包含有增音程或減音程。
七和弦的形成，是在三和弦的上面加一個根音的七度音。
這種和弦可以在大音階與小音階任何音級上構成，而各七和弦中，以屬音為根音的屬七和弦最為重要。
和弦，同音程一樣，如根音移高八度時，便叫做轉位。
靜止
靜止，在前面說過，正如像文章裡面的標點符號。靜止可以分做兩大類：
一、結尾靜止（FinalCadence）常用來表示一段或一節的結束。
二、中途靜止（IntermediateCadence）。常用來規定成語（Phrase）或短句的界限。
結尾靜止有兩種：
1.完全靜止（Perfectcadence，fullclose）。有七度音或沒有七度音的屬和弦，接續著根音位置的主和弦。
2.變格靜止（Plagalcadence）。形式與完全靜止相同，只是用下屬和弦替換了屬和弦進入最後的主音。
必須注意到雖然根音都是在低聲部，但上方聲部的地位與排列，在每一對靜止和弦中是有不同的變化。高聲部的音雖相同，但位置不同。這些音不論怎麼樣變動，都不會改變和弦本來的性質。關於這一點，後面將作進一步說明。
中途靜止往往是由主和弦或其他和弦構成，不一定是根音位置。
旋律的進行
一、連接進行。音是按級進行的，即二音的連接距離均不超過二度。
二、跳躍進行。音是跳躍進行的，即二音的連接是三度或三度以上的跳躍。
反復的進行
反復進行。是在不同高度上，把一小片段的旋律或和聲作反復地出現。
有的反復進行都是在自然音階上反復，此外還有轉調的或半音的反復進行，把反復句子在新調上出現。
模式的進行
模式（Pattern）與反復進行相似，但不完全相同。它是旋律的或和聲的、或兩者同時的在節奏形式方面的模仿。
轉位
一、旋律的轉位。一個短句旋律的進行，音與音接連的音程度數和前面的短句一般無二，只是方向相反。這種叫做旋律的轉位。
二、對位的轉位。兩聲部位置交換，即下聲部換為上聲部、上聲部換為下聲部（關於對位法將在後面說明）。
和聲的進行
一、同向進行。兩聲部向同一方向進行。
二、反向進行。兩聲部向相反方向進行。
三、斜行進行。兩聲部中一部保持原狀，另一部向上或向下進行。
主要音和非主要音
主要音（EssentialNote）。和弦中最主要的音叫主要音。如三和弦C、E、G中的E音。
經過音，或稱為非主要音（Unessential）。一個音只是作為接連兩個連續和弦（或音程）中主要音的音，它自己並不是屬於前後任何和弦（或音程）的音，叫做經過音。
經過音（D和B）位於拍子之間，叫做非強音經過音。它也可以出現在拍子上，就叫做強音經過音。
有的經過音可作跳躍進行，這種叫做裝飾音，倚音或先現音，因為它先出現在主要音前面。
倚音常常是用來使力度強的非主要不協和音的性質變為鬆散。
轉調和移調
轉調，是從一個調轉到另一個調上。
移調，是把一篇樂譜或樂句整個改移在另外的調上去。
不協和和弦的解決
不協和和弦的解決是把不協和和弦進入到協和和弦。正規解決的方法是讓不協和音級進。
⑺ 音樂中的音名是什麼
音名是指對固定高度的音所定的名稱。
各國因音律、文字和歷史淵源的不同，所用的音名也各異。幾種較常見的音名如下：
上面是7個基本音級的名稱,美、英、德、日等國家用的是字母體系，法、意等國家用的是唱名體系。實際使用時，也有一個國家同時兩種音名並用的，例如蘇聯就兼用兩種體系。中國古代的十二律，以黃鍾、大呂、太簇、夾鍾、姑洗、仲呂、蕤賓、林鍾、夷則、南呂、無射、應鍾作為音名（見律呂）；近現代則主要採用英、美的音名。印度和阿拉伯則有他們自己獨立的音律和音名（見印度音樂、阿拉伯音樂）。
⑻ 音樂的含義是什麼
音樂
廣義的講，音樂就是任何一種藝術的、令人愉快的、審慎的或其他什麼方式排列起來的聲音。所謂的音樂的定義仍存在著激烈的爭議，但通常可以解釋為一系列對於有聲、無聲具有時間性的組織，並含有不同音階的節奏、旋律及和聲。
音樂可以通過幾種途徑來體驗，最傳統的一種是到現場聽音樂家的表演。現場音樂也能夠由無線電和電視來播放，這種方式接近於聽錄音帶或看音樂錄像。有些時候現場表演也會混合一些事先做好的錄音，如DJ用唱片做出的摩擦聲。當然，也可以製作自己的音樂，通過歌唱，玩樂器或不太嚴密的作曲。
甚至耳聾的人也能夠通過感覺自己身體的震動來體驗音樂，最著名聾音樂家的例子便是貝多芬，其絕大部分著名的作品都是在他完全喪失聽力後創作的。
人們想學習音樂的時候會去上音樂課。音樂學是一個歷史的科學的研究音樂的廣闊領域，其中包括音樂理論和音樂史。
音樂作為一門古老的藝術，極大量的音樂流派已經發生變化。人種音樂學作為人類學的一個分支是專門研究這些流派起源及發展的學科。
這是一個見仁見智的問題，說法很多。筆者認為音樂是一種聲音藝術而非視覺或其它什麼感覺的藝術。把樂音（有時也適當使用噪音）按一定的規律組織起來，使人聽之產生美感，這種藝術就叫音樂。
聲音四要素是：音強、音高、音色和波形包絡。現將它們的含義分述如下：
1．音強
音強就是人們在聽聞時感到的響度，也就是我們通常說的聲音的強弱或大、小，重，輕。它是人耳對聲音穩弱的主觀評價尺度之一。其客觀評價尺度——也即物理量的測量，是聲波的振幅。音強與振幅並不完全一致或成正比，在聲頻范圍的低頻段相差很大，高頻段也有相當的差別。
聲頻范圍也就是人們可以聽到的聲振動頻率范國，為20赫到20千赫。20赫以下稱為次聲波，20千赫以上稱為超聲波。在聲頻頻率范圍內，人耳對中頻段1～3千赫的聲音最為靈敏，對高、低頻段的聲音，特別是低頻段的聲音則比較遲鈍。人耳還有一種特徵，對很強的聲音，感覺其響度與頻率的關系不大，或者說同振幅的各頻率的聲音，聽起來響度差不多．但對低聲級信號（即很輕的聲音），感覺到它的響度與頻率關系甚大：對於同樣振幅的聲音，低、高頻段的聲音聽起來響度比中頻段的輕。聲音振幅愈小，雞種現象就愈嚴重。對1千赫的聲音信號，人耳所能感覺到的最低聲壓為2X10（負4次方）微巴。微巴是聲壓的單位，，它相當於在1平方厘米面積上具有1達因壓力。電聲工作者把這一聲壓稱為聲壓級的0分貝，通常寫為O分貝SPL（SPL是聲壓級的縮寫），正如把0。775伏定為在6OO歐電路中的0分貝一樣。不用聲壓而用以對數表示的「聲壓級」來表示聲音振幅的大小，有明顯的好處。這是因為人耳能聽聞的聲壓范圍很大，可由2X10（負4次方）微巴到2XlO（負四次方）微巴，相差一千萬（1C）倍。對如此大范圍的變化，計算很不方便，用聲壓級表達就比用聲壓方便多了。另外由於人耳對響度的感覺是非線性的，用對數來計量更接近於人耳的主觀特性。當聲壓級達120分貝SPL時，人耳將感到痛楚，無法忍受，因此，人聽聞的動態范國由0～120分貝SPL，在音樂廳中聽樂隊演奏，音樂的自然動態范圍是多少呢？對大型交響音樂，最響的音樂片段可達115分貝SPL，最弱的音樂片段約為25分貝SPL，因而動態范圍可達90分貝。當然，這是很少有的情況。通常交響音樂的動態范圍約為50～80分貝，中、小型音樂的動態范國約在40分貝左右，語言的動態范圍約在30分貝左右。
因此，要求家用放音設備能夠盡可能地再現：
1〕上述音樂或語言的自然聲級動態范圍。
2〕音樂或語言的自然聲壓級。對於家庭內常用的放音音量，平均聲壓級對音樂來說約為86分貝SPL，對語言則約為70分貝SPL左右。
2．音高音高或稱音調，是人耳對聲音調子高低的主觀評價尺度。它的客觀評價尺度是聲波的頻率。和音強與振幅的關系不一樣，音高與頻率基本上是一致的。當兩個聲音信號的頻率相差一倍時，也即f2=2f1時，則稱f2比f1高一個倍頻程。音樂中的1（do）與i，正好相差一個倍頻程，在音樂學中也稱相差一個八度音。在一個八度音內，有12個半音。以1—i八音區為例， 12個半音是：1—＃1、＃1—2、2—＃2、＃2—3、3—4、4—＃4，＃—5、5一＃5、＃5—6、6—＃6、＃6—7、7—i。請注意，這12個音階的分度基本上是以對數關系來劃分的。
各種不同的樂器，當演奏同樣的頻率的音符時，人們感覺它們的音高相同，這里指的演奏的聲音具有同樣的基頻。但樂器每發一個音，這個音除了具有基頻fo，以外，還有與fo成正整數倍關系的諧波。前面說過，每個音的音高感覺由fo決定，而每種樂器的不同各次諧波成分，則決定樂器特有的音色。那麼，音樂的自然基頻范圍是多少呢？樂器中，基音頻串范圍最寬的是鋼琴，由27．5～4136赫。管弦樂、交響樂的基音范圍是30～60OO赫。我國民族樂器的基音范圍則為50～4500赫。 順便介紹一下，現代電聲學研究說明，樂音的自然頻率范圍已經超出20～20000赫可聞聲頻串范圍之外，例如某些非洲鼓的基音在次聲頻頻段，而某些中國木管的諧波（泛音）可達25千赫之高。次聲信號雖不能為人耳所感聞，但可為人的皮膚所感知。另外，語言畫基頻在150～3500赫范圍內。
3.音色
人們除對響度、音高有明顯的都別力外，還能准確地判斷聲音的「色調」。單簧管、圓號雖然演奏同一音高（基頻）的音符，但人們能夠明確分辨出哪個是單管管，哪個是圓號，而不會混淆。這是由於它們的音色、波形包絡不同。音色決定於樂音的泛音（諧波）頻譜，也可以說是樂音的波形所確定的。因為樂音的波形（可由電子示波器上看到〉絕大多數都不是簡單的正弦波，而是一種復雜的波。分析表明這種復雜的波形，可以分解為一系列的正弦波，這些正弦波中有基頻f0，還有與f0成整數倍關系的諧波：f1、f2、f3、f4，它們的振幅有特定的比例。這種比例，賦予每種樂器以特有的「色彩」一——音色。如果沒有諧波成分，單純的基音正弦信號是毫無音樂感的。因此，樂器樂音的頻率范圍，決非只是基頻的頻率范圍，應把樂器樂音的各次諧波都包括在內，甚至很高次數的泛音，對樂器音色影響仍很大。高保真放聲系統要十分注意讓各次泛音都能重放出來，這就使重放頻串范圍至少達15000赫，要求潮的應達20千赫或更高。另外，語言的泛音可達7～8千赫。
4．波形包絡
樂音的波形包絡指樂音演奏（彈、吹、拉，撥）每一音符時，單個樂音振幅起始和結束的瞬態，也就是波形的包絡。有些樂器，在彈、吹、拉、撥的開始一瞬間，振幅馬上達到最大值，然後振幅逐步衰減，有的樂器則相反，在開始的瞬間振奮較小，然後逐漸加大，再逐漸衰減。這些波形包絡變化也影響樂器的音色。 顯然重放設備也要求有較好的瞬態跟隨能力，不然就會引起樂音自然包絡的畸變。
近古音樂——兩千年的理論探索與十二平均律的誕生
在中國傳統音樂理論遺產中，有一門科學，自公元前7世紀起便有人開始探究。其後2600餘年，綿延不絕，一直持續到今天。它就是一度被學術界稱為「絕學」的「律學」。
律學，即研究樂音體系中音高體制及交互的數理邏輯關系的科學。它是音樂聲學（音響學）、數學和音樂學互相滲透的一種交叉學科。在有關音高體制的研究與應用中，律學規律幾乎無處不在。例如：旋律音程的結構與音準；調式與和聲理論中的和諧原則；多聲部縱向結合時的各種音程關系；旋宮轉調；樂器製造及調律中的音準與音位的確定；重唱重奏、合唱合奏中的音準調節，都與律學有直接關系。因此，一部「二十四史」，除了「樂志」，每朝都立「律志」、「律書」及「律歷志」之類的篇章。
「律學」遺產之豐富，它在中國文化、學術史上的地位，便可想而知了。
中國樂律史上最早產生完備的律學理論，稱為「三分損益律」，它大約出現千春秋中期。《管子·地員篇》、《呂氏春秋·音律篇》分別記述了它的基本法則：以一條弦長為基數，將其均分成三段，舍一取二，「三分損一」，便發出第一個上五4度音；如果將均分的三段再加一段，「三分益一」，便發出第一個下4度音，用這種方法繼續推算下去，可得12個音，稱「十二律」，每律有固定的律名，即：
黃大太夾姑？仲林夷南無應
⑼ 音樂符號分別表示什麼
常見的音樂術語，自己找找看A
a tempo 回原速
abbandono無拘無束的，縱情的
acoustic聲音學的，音響效果的
a cappella無伴奏合唱
a capriccio無事先准備的，隨意發揮的
accel 加快的，accelerado的縮寫
accentato加重音的，加重的
adagio慢板
agitato激動地
Adagio 柔板
Adagio assai 很慢的柔板
Andante 行板
Andantino 小行板
affettato 矯柔造作的
affettatamente裝模作樣的
affettuoso感情豐富的
affrettando快速的
Allegretto non troppo 不過分的小快板
Allegretto poco mosso 稍快的小快板
album專集，音樂集
alla marcia進行曲風格
alla如同……一樣的
alla francese法蘭西風格
alla polacca波拉卡風格
alla spagnuola西班牙風格
alla turca土耳其風格
all arg逐漸加強，逐漸變慢，聲音愈加飽滿
allegramente歡快的，興致昂然的
allegrissimo極快的
allegretto稍快板
allegro快板，急速的，快節奏的
alt最高調，最高調的
altieramente極快的
alto clef 中音譜號
amabile和藹可親的，可愛的
amorosamente溫柔的，親愛的
amoroso溫柔的，親愛的
andante行板，行板樂曲，緩慢的
a nimato活潑的，富有生氣的，快的
aperto開朗的
appassionato熱情奔放的，熱心的
attacca緊接下段
B
baldo 勇敢的，豪壯的
ballade敘事曲，歌謠
barcarolle船歌
bar line小節線
bass男低音，低音，貝司
bassoon低音管，巴松管
bass clef低音譜號
bass drum低音鼓
battuta拍子，特指一小節內第一個重拍
ben特別強調的
blocks雙頭木魚
brioso充滿活力地
breve二全音符
breve rest 二全休止符
brillante 輝煌的，華麗的
bis重復一次
bizzaro奇怪的，怪異的
bongoes連體鼓
bow 提琴的琴弓
buffo 可笑的，喜劇的 ，滑稽地
burlesco 戲謔的，詼諧的
C
calando 漸緩且漸弱
calmato 恬靜的
caminando 流暢的，進行的
cantabile 似歌的
cantando 如歌的
capriccioso 自由的，隨想的
caprice 隨想曲，暢想曲，奇想曲
capricciesamente 自由的，隨想的
celesta 鋼片琴
cello 大提琴
clarinet 豎笛，單簧管（黑管）
crotchet 四分音符
crotchet rest 四分休止符
cresc漸強
claves 音棒
classics 古典音樂
chorus 合唱，和聲，合唱隊
col canto 緊隨的旋律
comodo自在地
come sopra 如同那邊的一樣
come 好象，如同
con abbandono 縱情奔放地
con affetto 感情豐富地，多情地
con amore 溫柔地，親愛地
con ammabilita 和藹地，親切地
calando 漸緩且漸弱
calmato 恬靜的
con brio 生氣勃勃地，有活力地
concert 音樂會
con entusiasmo 熱情地
con espressione 富有表現力地
con delicatezza 精細地，嬌柔地
concerto 協奏曲
con grazio 典雅地，優美地
con moto 稍快的
con forza 有力地
con fuoco 狂熱地，熱情地
con spirito有精神地
cominciata 開頭，曲首
com modo 舒適的，自在的
con 同，帶著
con malinconia 憂郁消沉地
con slancio 強有力地，猛烈地
con spirito 富有生氣地
con strepito 吵鬧地，嘈雜地，震耳欲聾地
con trasporto 得意忘形地
con vigore 富有精力地，強健地
conctor 指揮
contralto 女底音，女底音手
cymbal 銅鈸，土耳其鑔
D
dance 舞曲
deciso堅定地
delicatamente 精細的，嬌柔的
delicato 精細的，嬌柔的
deejay（DJ） 播放音樂的人，DJ
delicatezza 細致的
Doppio movimento 加倍快
dolente怨訴地
dolce 溫柔的，甜美的
dolce ondeggiando 溫柔的顫動
dolcissimo 非常溫柔的，甜美的
dolente 悲痛的，哀傷的
doloroso 悲痛的
doppio 成倍，雙重
doppio lunghezza di tempo 慢一倍
doppio movimento 快一倍
double bass 低音提琴
double bar line 雙小節線
dim漸弱
di 地，用，自，的
di soppiano 用低音的，溫柔的
di sopra 如上邊
direct 指揮
disperato 失望的，絕望的
distinto 清晰的
divoto 誠懇的，忠誠的
drammatico 戲劇性的
drum 鼓
drumstick 鼓槌
E
energico精力充沛地
e 與，而
ed 與，而
egualmente 同樣地，平穩地，均勻地
elegante 幽雅的，高尚的
en 在……，……地，按照……風格
energico 精力充足的
entusiastico 熱情的，熱烈的
eroico 英勇的，庄嚴的
espressiove 有表情
et 與，而
etude 練習曲
F
fantasy 幻想曲
fastoso 華麗的，浮誇的
fantastico幻想地
feroco 粗野的，狂暴的
festivo 有朝氣地
f強
ff 很強
fresco 朝氣蓬勃的，清新的
french horn 圓號，法國號
fret 琴柱，擋子
fz突強
forza 力量
fp強後即弱
flebile 悲哀的，沉痛的
flat 降調
flat sign 降號
flute 橫笛，長笛，笛子
finale 終曲
fiero 勇猛的，驕傲的
funebre 悲哀的，凄慘的，葬禮的
furioso 狂暴地
>或<重音記號
G
Grave 庄板
gaio 快樂的，愉悅的
generoso 慷慨的，高尚的
glissando 滑奏，鋼琴上的刮奏
glockenspiel 鍾琴，鐵琴
grave沉重地
grazioso 幽雅的 、優美地
giocoso 愉快的，游戲的，幽默的
giusto 合適的，恰當的
giandioso華麗地、壯麗地
guerriero 勇敢的，威武的
guiros 瓜（一種利用刮削摩擦發聲的拉丁美洲樂器）
guitar 吉他
H
harp 豎琴
harpsichord 羽管鋼琴（撥管古鋼琴）
Hi Fi set 高保真音響
honky-tonk piano 酒吧鋼琴
horn 號，號角
I
in tempo 按原速
Impetuoso急速地、如暴風兩般
Innocente純潔地
L
Largo 廣板
Larghetto 小廣板
Lagrimoso哭泣地
largamente寬廣地
Lamentabile悲傷地
legayo連音
legato assai很連貫
legatissimo最連音
Lento 慢板
Leggiero輕快地
llargando漸慢並漸強
Lugubre陰郁地
M
Maestoso隆重地、庄嚴地
Marcato著重地、清晰地、強調
Martiale象進行曲
Mesto悲哀地、憂傷地
mf中強
memo mosso 稍慢
molto mosso 很快的
molto rit 漸慢很多
mp中弱
molto allegro 很快的
molto adagio 很緩慢的
Moderado 中板
Misterioso神秘地
Morendo逐漸消失
N
non legato非連音
nobilmente高雅地
P
pathetic悲愴地
passionate熱情洋溢地
Parlando說話似地
Pastorale田園風味地
Pesante沉重地
Prestissimo 最急板
Presto 急板
poco a poco rit 一點一點地漸慢
poco lento 稍慢 portato次斷音
poco meno mosso 稍放慢的
pp很弱
p弱
piu Allegro 更快
piu Andante 更慢
piu moto 更快的
piu mosso 更快的
Pomposo壯麗地、光輝地
Q
Quieto寧靜地
R
rall 漸慢，rallendando的縮寫
rapido 迅速的
rit,ritard 漸慢的，ritardando的縮寫
Rubato節奏自由
risoluto果斷地
ritenuto 突慢的
Religilso崇拜地
Rigoroso嚴格地、准確地
Risoluto決斷地
Rustico鄉村風味地
S
scherzando幽默地、詼諧地
sempre stacc一直用斷音
senza accel 不要漸快
staccatostaccatissimo▲斷音
sf突強
spirito精神飽滿地
sotto voce很弱的聲音sostenuto持續地
sempre p始終保持弱
semplice樸素地、單純地
sempre繼續地
sentimento多愁善感地
stringendo 加緊（加快）
Smorzando逐漸消失
Soavemente和藹地
Sonore嘹亮地
Spianato純朴地
Strepitoso喧嘩地、風暴似地
T
tenuto保持
Tranquillo安靜地
V
Vigoroso強大地、豪爽地
vivace活潑地
vivo活躍地
X 登錄 · · · · · ·
⑽ 關於幾個流行音樂術語的解釋
布魯斯（藍調）：美國流行音樂形式，又譯為藍色音調。原意為在感情上悲傷的意思。在黑人歌曲中，有一大部分都是描寫生離死別之情，抒發憂傷凄慘的內容，用布魯斯一詞來概括十分貼切，久用成習，就成了這一類黑人歌曲的總稱，進而成為美國黑人音樂中一種典型的曲調。布魯斯約產生於19世紀末，由非 洲被販賣至美國南部庄園中做奴隸的黑人所哼唱的勞動歌曲、靈歌和田間號子結合而成。最初的布魯斯基本上都是歌曲，伴奏只用吉他，後來逐漸加進了其他樂器，並出現了專供器樂演奏的布魯斯。最知名的布魯斯歌手是貝西·史密斯。第一個把布魯斯寫下來並交付出版的是W.H.漢迪，他有布魯斯之王之稱。
JAZZ(爵士樂）
爵士音樂家、史學家和音樂學家公認的爵士樂成形時間是19世紀末、20世紀初。公認的發祥地是美國南部路易斯安那州的一個亞熱帶城市――新奧爾良。 爵士樂相較於其它音樂，其自身有很多獨特之處：1）即興演奏或者是演唱；2）運用布魯斯音階；3）爵士樂節奏的極其復雜性；4）獨有的爵士和弦；5）獨特的音色運用。
R＆B
R&B的全名是Rhythm & Blues，一般譯作「節奏布魯斯」。(R&B)在20世紀40年代中期出現的時候,它甚至還沒有名字。但這個詞才一出現，它就迅速廣泛地傳播開去。時至今日，R&B已經成了黑人流行音樂的代名詞，盡管它更多的是作為一種區別於說唱樂(Rap)、靈魂樂(Soul)、都市歌(Urban)的音樂種類被特殊的聽眾和唱片界人士提及。早期的搖滾樂就是以R&B為基礎的，它是由受流行音樂影響的「鄉村和西部音樂」延展而來。R&B不僅僅是在布魯斯和搖滾樂之間的一種重要的過渡音樂，它還是布魯斯和靈魂樂之間最重要的音樂分支。
最初開始流行的R&B風格通常是指「跳躍布魯斯」(Jump Blues)。它不僅吸收了爵士樂里的搖擺節奏和以號為主的編配方式，而且吸收了布魯斯里普遍使用的回復段與和聲結構。這種風格最重要的先驅也許要算卡布·卡洛維(Cab Calloway)。在「跳躍布魯斯」中，歌手的聲音更加刺耳，節奏更快，樂器的演奏也不一樣——鋼琴的彈奏力度更大，薩克司的聲音更加長而尖銳。
「跳躍布魯斯」後來轉變為幾種不同的風格。一些50年代的歌手開始使R&B比以前更加大眾化——加入明顯的「福音音樂」和教堂音樂元素。對於R&B來說，如今被賦予的紀念性意義和遲到的喝彩聲並不能改變當初它所面臨的窘境——早期的R&B唱片很難被全部的新聽眾所接受。而40年代和50年代的R&B歌手及唱片公司更多的是將注意力放在娛樂性方面，並不是致力於推廣多元化的藝術作品。因此在R&B的全盛時期，人們聽到的歌曲都是由相似的和聲、進行模式以及編曲構成。不過，盡管R&B從誕生之初至今已經改變了許多，但它依然保留了搖滾樂、靈魂樂和說唱樂中極其重要的部分，並且在音樂的背後發揮著作用。
其他
HOUSE
HOUSE是於八十年代沿自 DISCO發展出來的跳舞音樂。 這是芝加哥的DJ玩出的音樂， 他們將德國電子樂團Kraftwerk的一張唱片和電子鼓(Drum Machine)規律的節奏 及黑人藍調歌聲混音在一,House就產生啦~ 一般翻譯為"浩室"舞曲,為電子舞曲最基本的型式,4/4拍的節奏, 一拍一個鼓聲,配上簡單的旋律,常有高亢的女聲歌唱. DISCO流行後，一些DJ將它改變，有心將DISCO變得較為不商業化， BASS和鼓變得更深沈， 很多時變成了純音樂作品，即使有歌唱部分也多數是由跳舞女歌手唱的簡短句子，往往沒有明確歌詞。 漸漸的，有人加入了LATIN(拉丁)、 REGGAE(瑞格源在西印度群島)、 RAP(說唱)或 JAZZ(爵士)等元素， 至八十年代後期， HOUSE沖出地下范圍，成為芝加哥、紐約及倫敦流行榜的寵兒。
為什麼會叫"House"呢?就是說只要你有簡單的錄音設備,在家裡都做得出這種音樂~House也是電子樂中 最容易被大家所接受的.
Cher唱的Believe 就是個好例子.而M-People可說是House代表團體.House舞曲在1986年開始流行後,可說是取代了Disco音樂.
House可分為：
Acid House 也就是融合了TB-303的Acid聲的House樂
Deep House 有著相當濃厚的靈魂唱腔,又叫作Garage,蠻流行化的. 像Real Mecoy, M-People, La Bouche都是Garage團體.
Hard House 簡單來說,就是節奏較重,較猛的House.
Progressive House 這類House沒啥靈魂唱腔,反而比較注重旋律和樂曲編排.有一點像"演奏類"的House樂. 像SASH!的專輯It''''s My Life便是很好的Progressive House專輯.
Epic House 就是"史詩"House. Epic House有著優美,流暢的旋律和磅礴的氣勢, 很少會有vocal在裡面(幾乎是沒有!). BT的音樂就是很棒的Epic House,而他也被稱作"Epic House天皇". 其實連Rock也有"Epic Rock"
Trible House 想像一下:帶有非洲原始風貌或是印地安人的鼓奏的House是啥樣? 這就是Trible House~ 這種House除了有一般House穩定的節奏外,在每拍之間,會加入一些帶有原始風貌,零碎的鼓點. 蠻有趣的~ 不過,House的范圍太廣了,大家也不用硬要把一首曲子分類.這些只是告訴大家,House很多種"而已。
到了九十年代， HOUSE已減少了那前衛、潮流色彩，但仍是很受歡迎的音樂。
Britpop
Britpop雖有個「 Pop"字，但其實是 Rock的一種，源於九十年代英倫，中文可譯為「英式搖滾」，這是英倫樂壇對美國 Grunge潮的一個回應，主要是以樂隊形式出現。不過， Britpop風格其實十分廣泛，如 Oasis是結他搖滾樂隊， Blur則 Pop很多，而Pulp則接近 Glam Rook及跳舞風格，不過他們都被列作 Britpop。
英國 Britpop代表人物： Oasis 、Blur 、Suede 、Pulp 、Radiohead
Trip-Hop
Trip-Hop是英倫/歐洲跳舞音樂的一種，它的名字來源是「 Trip＋ Hip-Hop＝ Trip-Hop」，因為它發源自英國的Bristol，因此最早時稱作「Bristol Hip-Hop」。由於把把Hip-Hop（其實很多音樂都是架構在Hip-Hop上的……不知啥是Hip-Hop的去看看跳街舞的人， 他們多半是用Hip-Hop音樂來跳的。）節奏變慢（有時很慢很慢）加入一些迷幻的味道，如很陰沉，肥厚的Bass，輕微但迷幻的合成音效，或是些唱片的取樣，有時可能連唱片的雜音都會被「故意」取樣進去。所謂「 Trip」，指迷幻，氤氳的葯物【旅程】，所以， Trip-Hop是種慢板的迷幻的、有 Jazz感覺的、迷糊的、帶點 Hip-Hop節奏的 Break beat音樂。它雖然隸屬跳舞音樂類，但其迷幻迷糊特色已令它跳一般跳舞音樂所有的明確節拍特色相去很遠。
外國 Trip-Hop代表人物： Trip-Hop中公認的鐵三角ortishead、 Tricky、 Massive Attack 、Mandalay Moloko 、Coldcut
Gangsta Rap
Gangsta Rap是 Rap的一種，以 Rap的內容多與都市罪案有關，充滿暴力、色慾感受，這是反映現實的一種音樂路向。 Gangsta Rap於八十年代末期在美國興起，音樂Rap中的強悍尖銳派，在美國大受歡迎，唱片銷路甚高。而不少 Gangsta Rap樂手本身真正「參與」現實中各式罪案，部分更因而入獄甚至死亡，可說是真正反映現實兼令人觸目驚心的樂種。
Gangsta Rap化表組合： Ice-T、 Ice Cube、 Dr. Dre、 Snoop Doggy Dogg、 2 Pac、Geto Boys
Synth Pop
Synth Pop中的「 Synth」，即 Synthesizer，顧名思義， Synth Pop就是「由 Sythesizrs炮製出來的流行樂」，當然除 Synthesizers外還會用上其他電子樂器如電腦及鼓機等等。 Synth Pop於八十年代初期開始流行，至八十年代中開始沉寂，當年在香港也曾掀起過一陣熱潮。Synth Pop的特點是科技感強，有時會頗冰冷，歌曲多是「三分鍾流行曲」（3-minutes Pop），很多時 Synth Pop樂手會作入時打扮。
Synth Pop代表組合： Depeche Mode、 Human League、 Duran Duran、 OMD、 Gary Numan
ORCHESTRA
ORCHESTRA就是管弦樂團，它分成四部分： 1弦樂，包括小提琴、大提琴等， 2銅管樂 3木管樂和 4敲擊樂四組。弦樂組每種樂器有多人演奏（豎琴除外），四組演奏者由一人統籌兼領導，他就是樂團的指揮。ORCHESTRA於17世紀出現，到18世紀因海頓和莫扎特的作品而清楚地建立模式。19世紀加入了些新樂器，樂團人數加大。 ORCHESTRA是西方古典/正統音樂的正宗。西方流行/搖滾樂也經常運用 ORCHESTRA的部分或全部團員協助演出。
CHAMBER POP
CHAMBER POP是指典雅、高貴、精緻的一種流行樂，它有一定的古典音樂感覺。 CHAMBER MUSIC一詞來自古典音樂，中文叫「室內樂」，是種小組弦樂演奏曲式，氣氛高雅。CHAMBER POP於九十年代興起，是對當時的 LO-FI及 GRUNGE的一種反應，強調優美的旋律、精緻的配樂、乾凈的錄音，每每多用弦樂、管樂製造巴洛克時代的音樂感覺。
外國代表樂隊有 THE DIVINE COMEDY， RIALTO， ERIC MATTHEWS及 BALLE & SEBASTIAN等，香港則有黃耀明、部分的彭羚、部分的 MULTIPLEX等等。
FOLK
民歌（ FOLK） 原本是指每個民族的傳統歌曲，每個民族的先民都有他們自原始/古代已有的歌曲，這些歌絕大部分都不知道誰是作者，而以口頭傳播，一傳十十傳百，一代傳一代的傳下去至今。不過今天我們所說的民歌（ FOLK），大都是指流行曲年代的民歌（ FOLK），所指的是主要以木結他為伴奏樂器，以自然坦率方式歌唱，唱出大家純朴生活感受的那種歌曲。美國民歌手 WOODY GUTHRIE在五十年代的唱片可說是最早的民歌唱片錄音，所以普遍被認定是現代民歌（ FOLK）的祖師。之後 PETE SEEGER、 THE WEAVERS繼續推動這類音樂，六十年代越戰，反戰民歌手如 BOB DYLAN、JOAN BAEZ、PETER、PAUL AND MARY等成為時代的呼聲。後民歌向 POP、ROCK及都市化發展， BOB DYLAN發明了 FOLKROCK、 SIMON & GARFUNKEL發展出中產口味的都市 FOLK POP，風行一時。八十年代 SUZANNE VEGA、TRACYCHAPMAN等走出一種更富現在都市感覺的 URBAN FOLK（城市）/ CONTEMPORARY（當代） FOLK路線。民歌 （FOLK）在英國、香港等樂壇也發展出不同的面貌。民歌（FOLK）近年較新的發展是與 NEW AGE結合（如 ENYA），及與 TRIP HOP結合）如 BETH ORTON）。
BOSSA NOVA
BOSSA NOVA是種帶 JAZZ味道的巴西音樂， 1950年代作曲家 ANTONIO CARLOS JOBIM將巴西音樂節奏與美國西岸 COOL JAZZ混合而成，柔和、舒服、輕松、懶洋洋、浪漫乃特色。每兩個 BAR的第1、4、7、11、14拍為重拍。歌手 JOAO GILBERTO的純厚歌聲是 JOBIM音樂的出色拍檔， 50年代中期傳入美國後大受歡迎，其他著名 BOSSA NOVA樂手有 CHARLIE BYRD,STAN GETZ和 ASTRUD GILBERTO等，最著名的歌曲為「THE GIRLFROM IPANEMA」。 OSSA NOVA於60年代最流行，其餘年代亦不斷有捧場者。
CLASSICAL POP
CLASSICAL POP是指帶古典響樂味道的流行曲，多用弦樂伴奏的歌曲都可列入此類，例如 THE BEATLES的「ELEANORRIGBY」就是。澳洲樂隊 CROWDED HOUSE的一些作品也可列入此類。如果說 CLASSIC POP，則是指經典的流行曲。
ACAPPELLA
ACAPPELLA是指沒有樂器伴奏的歌曲，但凡純以人聲唱的歌都是 ACAPPELLA，不過今天我們說 ACAPPELLA通常是指有多重和唱的那種唱法，連樂器伴奏都由人聲唱出。 ACAPPELLA的相反是 INSTRUMENTAL，即純音樂樂曲，任何類型的歌曲都可以以 ACAPPELLA形式唱出。香港人最熟悉的 ACAPPELLA歌曲是「SO MUCH IN LOVE」，香港 ACAPPELLA樂隊有姬聲雅士等。
WORLD MUSIC？
WORLD MUSIC是西方角度觀點的詞彙，意思指非英、美及西方民歌/流行曲的音樂，通常指發展中地區或落後地區的傳統音樂，例如非洲及南亞洲地區的音樂，有些地區如拉丁美洲的音樂，則能普及到自成一種類型。今天大家說的 WORLD MUSIC通常是指與西方音樂混和了風格的、改良了的傳統地區音樂。非洲的 KING SUNNY ADE，東歐的DON BYRON，中國的朱哲琴，巴基斯坦的 NUSRAT FATEHALI KAHN等是西方樂迷較熟悉的 WORLD MUSIC樂手。
DREAM-POP
DREAM-POP是種「夢」般的流行曲，它有一種迷離的氣氛，多*SYNTHESIZERS（電子合成器）造成，加了ECHO效果的電結他也是重要的成分，歌唱部分往往很 「BREATHY」即呼吸聲重，歌詞也往往有夢般的詩意色彩。
代表樂隊有 COCTEAU WINS、 LISA GERMANO、 ST. ETIENNE、 THIS MORTAL COIL、 MY BLOODY VALENTINE、 MAZZY STAR和 DEAD CAN DANCE等。
中文歌手以王菲為首，代表作有 「迷路」、「DI-DA」等。
NEW AGE
NEW AGE是種寧靜、安逸、閑息的音樂，純音樂作品占的比重較多，有歌唱的占較少。 NEW AGE可以是純 ACOUSTIC（即以傳統自發聲樂器演奏）的，也可以是很電子化的，重點是營造出大自然平靜的氣氛或宇宙浩瀚的感覺，洗滌聽者的心靈，令人心平氣和。 NEW AGE很多時與音樂治療有關，不少NEW AGE音樂說可以治病，也有不少與打坐冥想有關，這與 NEW AGE思潮哲學有莫大關系。 NEW AGE音樂通常被目為頗為中產階級的音樂， WINDHAM HILL是最具代表性的 NEW AGE唱片公司， NEW AGE代表樂手有 ENYA， GEORGE WINSTON， WILLIAM ACKERMAN， YANNI， KITARO等等。
Electrophonic Music
何謂Electrophonic Music（電子音樂）？隨著時代的演進，音樂家有了更多製作音樂的方法。所謂電子音樂，就是以電子合成器，音樂軟體，電腦等所產生的電子聲響來製作音樂。電子音樂范圍廣泛，生活周遭常常能聽到，在電影配樂，廣告配樂，甚至某些國語流行歌中都有用到，不過以電子舞曲為最。很多人認為電子樂是一種冷冰冰，沒有感情的音樂。其實電子樂也可融入Rock、 Jazz甚至Blues等多種元素而充滿情感的。
電子音樂的類型也是多種多樣的，包括House 、Techno、Ambient、Trance、Psychedelic Trance、 Breakbeat、 Brit-Hop、 Big-Beat、 Trip-Hop、Drum''''n''''Bass、 Jungle、Electro、Dub、Chill Out、 Minimalism。
Techno
Technology， 即表示「高科技舞曲」啦！利用電腦，合成器合成，做出一些特殊音效，這種音樂常常是許多音效組合起來的。 Techno的節拍也是4/4拍,但速度較House快，且聽起來具重復性，較強硬，較機械化，所以某些人稱Techno為「工業噪音」，但某些還是會注重旋律的。 Techno起源於美國底特律，有三名DJ： Derrick May，Kevin Saunderson Juan Atkins嘗試將電子樂與黑人音樂結合，而產生了Detroit Techno。 Detroit Techno通常較平緩， 不像一般的Techno那樣強勁，可說是現代Techno的起源。
Ambient
聽起來起伏不大，但其實一直在做改變，像是長時間的音效， 或是漸進式的音樂編排等等，常會營造出有層次的空間感，所以被稱為「情境音樂」， 且常對於生活周遭的聲音做取樣，如人聲、汽車聲，甚至是其他音樂的旋律……等等。為70年代的Brian Eno所創，是一種很「高深」的電子音樂。後來Ambient也有分支，如Ambient House、 Ambient Techno……等等。相信大家從字面上就能了解，其實在很多種音樂中都會有Ambient的影子，甚至某些古典樂中 也有Ambient的味道。
Trance
迷幻舞曲，由Techno演變而來，聽了會讓你有「出神」的感覺，但還是保有舞曲的律動，很注重Bass的表現，某些聽了會有「催眠」的效果。拍子也是以4/4拍為主。不過我也有聽過用Breakbeat的（下面會介紹）， 如Sven Vath的專輯Fusion。
Psychedelic Trance
又名Goa Trance，發源於印度的一個小島上。Goa即為這小島的名字。旋律常帶有印度風味。這類Trance的特徵，就是很重視旋律，音符之間的細微變化，且常有重疊的旋律，和高亢的TB-303聲音出現。有點Ambient的味道。
Break beat
不像House的拍子Boom-Boom-Boom-Boom那麼規律，而是以破碎的節拍呈現，像是切分拍。如在兩拍中加入小碎鼓，等等，Breakbeat只是一個總稱而已，有很多種音樂都屬Breakbeat，如以下的Brit-Hop、Big-Beat、和黑人的Hip-Hop便是一種。
Brit-Hop
把黑人Hip-Hop的節奏加快鼓聲加重，配合些許電吉他、Bass，有搖滾樂的味道， 如The Chemical Brothers的曲風即是。
Big-Beat
「大節拍」，把Brit-Hop變得更快，節奏更重，更有搖滾的味道，可說是將Brit-Hop改良後， 更成熟的一種曲風，你可以想像一下又重又碎，又有點快的節拍是什麼樣子。如The Prodigy、The Chemical Brothers、 Fat Boy Slim即是Big Beat的「大角」。
Drum N'''' Bass
對某些人來說，Drum N'''' Bass的音樂可能很煩，因為Drum N'''' Bass很注重在節奏上玩花樣，還有Bass的表現， 像是很快很快，復雜的碎拍，以及運用各種不同的電子鼓，或是取樣而來的鼓聲。因此Drum N'''' Bass也是Breakbeat的一種。4Hero為Drum N'''' Bass的知名樂團。
Jungle
Jungle就是Drum N'''' Bass的前身。Jungle的速度比Drum N'''' Bass快很多，而且節拍更為復雜，比較強悍，有時會搭配一些Rap，不像Drum N'''' Bass會融合一些Jazz、Soul等元素，聽起來比較柔（當然這是和Jungle比起來）。連「搖滾變色龍」 David Bowie現在都搞起Jungle了
Electro
早在70年代末，80年代初，那時還沒有House、Techno……這類玩意兒，電子音樂也較不盛行，只有Electro這類電子音樂而已。 Electro可說是純粹以電子合成器（Synthesizer，長得有點像Keyboard）來發聲的音樂，通常蠻輕柔的，且常使用Roland公司的鼓機（Drum Machine）TR-808來發鼓聲。德國的Kraftwerk樂團可算是代表。 現在的Electro音色比以前明亮，透明許多。後來一些DJ利用Electro變形成了一種Hip-Hop樂，被稱作Old School。現在的Fatboy Slim（流線胖小子）也融合了一些Electro和Old School在音樂中。
Dub
Dub可說是將歌聲抽離只剩下音樂的Reggae（瑞格，也有稱之為雷鬼，一種很有節拍性，唱腔特別的南美黑人音樂）。而將Dub運用在電子樂上，則是將部份歌聲抽離，將Bass和鼓聲加重，並且加入大量的Echo（迴音）等效果。這種技術常在現場表演時，將歌曲重新混音（Remix）呈現。像Massive Attack 的專輯Protection便由Mad Professor從Trip-Hop音樂混音成了Dub版本。
Chill Out
這只是一種統稱而已。在舞池旁邊，常會有一個區域，或是小房間，里頭會放一些較緩和，較平靜的音樂，讓舞客跳完舞後緩和情緒，休息一下，以放Ambient音樂為主，所以會叫「Chill Out」（冷卻）就是這個緣故。The Orb可說是Chill Out音樂大師。
Minimalism
這被翻譯成「極小派樂風」，在Ambient和Techno的音樂中常聽的到。帶有Minimalism的曲子有著重復性的旋律，還有一種特別的律動，感覺上像一種特別的頻率一樣讓你聽了會有被催眠的感覺。Jeff Mills的作品就屬於Minimal Detroit-Techno，帶有相當的迷幻色彩 。
Black Metal 黑色金屬
以邪惡、異教崇拜以及撒旦思想為其主要訴求，通常在歌詞含有反基督、反宗教的傾向即被歸為黑金屬，除了傳統重金屬固定樂器之外，經常會使用其他樂器如鋼琴、小提琴，或歌劇的女高音，在歌曲中營造出一股詭異又嚇人的恐怖氣氛。「黑金屬」以來自北歐的重金屬團體最具代表性。
代表性樂隊：Emperor、 Mayhem、 Enslaved、 Dark Funeral
Death 死亡金屬
樂風以「鞭擊金屬」或「碾核」為其背景演化而成。電吉他快速的反復，幾無旋律的和弦，速擊狂踩的雙大鼓，主唱咬牙不清的低吟狂吼，歌詞以死亡仇恨為主題，充滿了屍體、內臟、肢解、分屍、*屍、戀屍癖、食屍、虐待等變態字眼。「死亡金屬」以來自佛羅里達州的重金屬樂隊最具代表性。
代表性樂隊：Death、 Carcass、 Cannibal Corpse、 Suffocation
Doom 毀滅金屬
節奏和速度都很慢，非常得慢。較不激烈也不大具有攻擊性，但仍是相當擁有重量感的音樂。通常具有非常干凈的音樂和歌聲，但有時也有粗暴野蠻的聲音出現。
代表性樂隊：Solitude Aeturnus、 Cathedral、 Candlemass
Glam Metal 華麗金屬
通常指一個重金屬樂隊的舞台表演方式或外在形象以誇張的濃妝艷抹或俊俏的外型來吸引樂迷，這類的樂隊大多是偶像團體。「華麗金屬」的樂風不會太重，歌詞也無太深入之含義，屬於較流行的重金屬音樂，是主流金屬的分支。
代表性樂團：Kiss、 Poison、 Warrant、 Twisted Sister、 Motley Crue
Grindcore 碾核
類似「朋克」但極具重量的音樂，主唱低鳴深沉的狂吼咆哮、電吉他超麻辣的音色再加上極快速的反復節拍及密集鼓點，構成一種幾無旋律的重金屬樂風，樂曲的長度都很短，從兩秒鍾到三分鍾不等。「碾核」為一種極為冷僻的重金屬樂風，大多數「死亡金屬」樂隊都採用此一樂風。
代表性樂隊：Napalm Death
Grunge 垃圾（頹廢？）
另類搖滾的同義詞。起源於西雅圖的類金屬（metal-like）另類搖滾，基本上Grunge屬於另類搖滾而不應歸類到重金屬之下。
代表性樂隊：Nirvana、 Pearl Jam、 Mudhoney、 Alice In Chains
Hardcore 硬核
源自於「朋克」，歌詞直言不諱粗鄙不堪，音樂如同噪音一般。
Hard Rock 重搖滾
比重金屬樂「輕」一點的音樂。
代表性樂隊：Foreigner、 Blue Oyster Cult、 Heart、 Cinderella
Heavy Metal 重金屬
「重金屬」必須具備狂吼咆哮或高亢激昂的嗓音、電吉他大量失真的音色、再以密集快速的鼓點和低沉有力的貝司填滿整個聽覺的背景空間，而構成一種含有高爆發力，快速度，重量感及破壞性等元素的改良式搖滾樂。通常泛指傳統的主流派重金屬或無法分類到其他重金屬流派里的重金屬樂。
代表性樂隊：AC/DC、 Accept、 Judas Priest、 Iron Maiden、 W.A.S.P.
Instrial Metal 工業金屬
採用大量冰冷的電腦采樣音效，穿插以機械或金屬器具的撞擊聲代替傳統打擊樂器，加上電子式的節拍，是很象科技舞曲的重金屬樂，但仍保留重金屬的大量失真效果。
代表性樂隊：Fear Factory、 Ministry、 Nine Inch Nails
Neo-Classical 新古典金屬
受古典音樂極深，在重金屬樂中加入大量古典音樂元素。
代表性樂隊：Angra
Pop Metal 流行金屬
在重金屬搖滾中加入流行音樂之元素，可說是重金屬搖滾和流行音樂妥協結合的折中產品，是極易為主流市場之音樂消費者所接受的重金屬搖滾樂。
代表性樂隊：Def Leppard, Mr Big, White Lion
Power Metal 強力金屬
擁有類似「速度金屬」的速度和「鞭擊金屬」的重量壓迫感，但旋律性不及「速度金屬」，爆發力也不及「鞭擊金屬」。
代表性樂隊：Pantera, Armored Saint, Wild Dogs
Progressive Metal 前衛金屬
風格有別於傳統重金屬，在歌曲中採用大量復雜華麗的編曲，或在歌詞中傳達出某些前進思想供聽者一個想像思考的空間。
代表性樂隊：Queensryche, Fate Warning, Dream Theater
Punk 朋克
歌詞中傳達某些叛逆思想及對生活環境、文化、社會、政治等的不滿情緒，而音樂缺乏協調性無特定風格，是一種相當嘈雜的音樂，通常一群能將樂器弄出聲音來的人就可以組一個朋克樂隊。
代表性樂隊：Clash, Sex Pistols
Speed Metal 速度金屬
速度為其標榜的主要特色。經常會和「鞭擊金屬」產生混淆，通常「速度金屬」的音樂較具旋律性，主唱歌詞咬字較清楚，吉他間奏富旋律性且快速而流暢；而「鞭擊金屬」則較缺乏旋律性，完全一速度、重量、壓迫感和破壞力並重。通常「鞭擊金屬」樂隊和「速度金屬」樂隊的樂手們都擁有純熟高超的樂器演奏技巧。
代表性樂隊：Helloween, Gamma Ray, Riot, Rage
Thrash Metal 鞭擊金屬
速度也極快，具有相當快速的反復節拍(riff)，電吉他粗麻的音色刷出剽悍的和弦，極具破壞力及壓迫感的速踩雙大鼓，主唱粗暴狂吼式的唱腔配合電吉他快速的節奏急速地唱出幾無旋律的曲調。「鞭擊金屬」以來自舊金山灣區的重金屬樂隊最具代表性。
代表性樂隊：Metallica, Megadeth, Slayer, Anthrax, Death Angel, Testament, Exos, Destruction, Kreator, Coroner, Overkill